SINDOKMA y ‘La boîte verte’: tras la idiosincrasia del libro de artista

‘¡Libro de artista!: La boîte verte de la edición contemporánea’
SINDOKMA Festival del Libro edición online
Con Felicia Puerta y Andrea Familiar (Edit&Co.), Ana R. Leiva (Tapas Duras), Carmen García y Manuela Martínez (Lalata)
Moderada por Marisa Giménez Soler (Museo del Ruso de Alarcón)
Mesa redonda celebrada el miércoles 24 de marzo

Con motivo del festival del libro SINDOKMA, celebrado de manera online del 22 al 26 de marzo, tanto en sesiones Zoom como en la fanpage de MAKMA en Facebook, el pasado miércoles 24 tuvo lugar la presentación de la actividad ‘¡Libro de artista!: La boîte verte de la edición contemporánea’. La reunión fue dirigida por Marisa Giménez Soler, comisaria, gestora cultural y directora del Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca) y participaron las artistas y docentes Felicia Puerta y Andrea Familiar, Ana Raquel Leiva, editora de Tapas Duras, así como Manuela Martínez y Carmen García, coordinadoras de Lalata.

SINDOKMA se sumergió, de este modo, en una las extremidades constitutivas de la idiosincrasia del festival desde su génesis en 2016. Al comienzo de la reunión se repasaron los libros de artistas hasta los años 80, que sirvieron como referentes de SINDOKMA. El libro de artista es una pieza de arte creada por un artista visual que implica la redefinición del libro como una obra en sí misma, explotando sus posibilidades como espacio creativo con el que experimentar.

Con Stéphane Mallarmé y Guillaume Apollinaire las palabras pasaron a ocupar otros espacios más allá de la literatura, hasta llegar en 1917 a ‘Les Mots en Liberté Futuristes’, de Marinetti, que aporta un nuevo uso a los libros como contenedores de palabras puramente estéticos. También actúan de referentes las creaciones ‘La boîte verte’, de Marcel Duchamp (obra que da nombre al subtítulo de la charla), y ‘The objects of Joseph Cornell’, de 1932.

A partir de estos antecedentes, en el movimiento neovanguardista de los años 60, en Europa y Estados Unidos se empieza a apostar por el libro de artista como forma de expresión artística por sí misma. Los artistas hacen uso del libro como concepto, soporte, objeto, contexto y camino hacia la subversión y experimentación.

En España, el movimiento del libro de artista se manifestó por primera vez entre los años 40 y 60, con las herencias de las vanguardias, el postismo, Equipo 57 o Julio Campal. También destaca Grupo ZAJ, grupo musical vanguardista español en el que intervendrían escultores, poetas, pintores y performers. El grupo se dedicaba a lo que ellos denominarían “teatro musical”, en el que el sonido queda relegado a un segundo plano, para dar más importancia a los gestos y la producción de objetos.

Influye especialmente en el género del libro de artista, dentro del marco español, el escritor Joan Brossa, fundador de la revista vanguardista Dau al set en 1947. Se trata de la primera manifestación vanguardista de la posguerra. En 1965, el libro ‘Novel.la’, de Joan Brossa y Antoni Tàpies, plantea un nuevo concepto, siendo uno de los primeros libros considerados expresamente como libro de artista en nuestro país.

Otras colaboraciones entre artistas plásticos y poetas a destacar en esos años, a partir de esta creación, serían ‘Mutilados de paz’, de Rafael Alberti y Manuel Millares, y también ediciones de artistas como ‘El libro de las horas’, de Fernando Zóbel, o ‘Ardicia’, de Pablo Palazuelo.

A partir de los años 60 despuntan especialmente Eduardo Scala, por su obra como poeta visual ‘El círculo’, que juega con los límites físicos de los libros creando lo que él llama un “éxtasis geométrico”, y Francisco Pino como artista “escultor” de libros. El valenciano Alfonso López Gradolí se distingue también por su ‘Quizá Briggite Bardot venga a tomar una copa esta noche’, de 1971, calificada por The Times como “obra maestra”.

Hasta estos años, fronterizos con los años 80 y ya con el empleo de técnicas de imprenta y aplicaciones muy desarrolladas, llegaría un breve recorrido en el tiempo en el que diversos creadores valientes forjaron y desafiaron los cánones y reglas imperantes hasta el momento. Dichos artistas fraguaron los resortes de utopía que subyacen hoy en las nuevas generaciones.

Terminada la etapa introductoria de la reunión, los participantes presentaron sus propuestas de libros de artista. Andrea Familiar mostró su trabajo más reciente en Edit&Co., una edición de veinte ejemplares numerados y firmados presentados en 2019 en el Open Studio de Algeciras. El proyecto también fue seleccionado en 2020 para participar en el V Premio Libro de Artista Ciudad de Móstoles.

Otras de las creaciones exhibidas por Familiar fueron ‘Offset grafía’, con una edición limitada de siete ejemplares, ‘No es uno más’, ‘Yinco’Y’ o ’13 Lunas’. Esta última forma parte de un memorial al artista del libro Emilio Sdun, y está realizada con los mismos procedimientos técnicos que él uso en su labor artística como impresor y calígrafo: la composición tipográfica con tipos móviles, el fotopolímero y la serigrafía. Es una publicación de poesía y arte impreso, con 23 poemas acompañados mediante ilustraciones o interpretados tipográficamente en impresos y estampas de diferentes formatos y tipos de papel.

Andrea Familiar ha anunciado que este mes de abril formará parte de la edición número doce de Sandwich Art, con artistas como Clemente Padín o Felipe Lamadrid. De esta manera, la artista continúa explorando el libro-arte y la revista-objeto como elementos esenciales de su trayectoria.

La docente de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de València Felicia Puerta también ha presentado su colección de libro-arte expuesta en la universidad. Puerta ha expresado su pasión por el género del libro de artista, afirmando que para ella cada página es “un lienzo en blanco” que le permite “desarrollar el pensamiento creativo” a través de la “narrativa visual”.

El recorrido de la docente por el mundo del libro-arte comienza en 2007 con ‘Malages’, pasando por ‘Ediciones de cajón’, en 2008, hasta llegar a ‘Who is who?’, en 2017. Esta última propuesta supone el arranque de Felicia Puerta en el ámbito de los libros intervenidos y usados para proyectos artísticos.

Carmen García Palacios y Manuela Martínez Romero expusieron su proyecto Lalata, una revista ensamblada que, tal y como expresa García Palacios, funciona como una “actividad artístico editorial vinculada al mail art”. El trabajo, que supone un adentramiento en el terreno de la poesía objetual, no tiene ánimo de lucro y los beneficios aportados por quienes compran los ejemplares se destinan al mantenimiento, difusión y mejora de la publicación.

Actualmente, el proyecto está siendo ampliado para que sea posible visualizarlo en más bibliotecas, centros de arte, tiendas de museo, librerías especializadas…, además de en su página web oficial, donde se resalta la diversidad del proyecto calificándolo como “mutante, híbrido y anfibio”.

Finalmente, Ana R. Leiva ha mostrado su proyecto editorial de Tapas Duras, en el que la artista entiende el concepto libro-arte de forma “diferente” al convencional al plasmarlo como una “única pieza manufacturada por el propio autor”.

Uno de sus últimos trabajos, ‘Osama, the King’, es un testimonio de las obras que construyó un hombre africano en el barrio valenciano de Campanar. El proyecto muestra, según la artista, “el devenir de Osama, su vinculación al mundo que recreaba” y se ha ido enriqueciendo desde su creación, abarcando temas profundos como la necesidad de expresión artística, la identidad, la ocupación del espacio público, la filosofía o la religión, entre otros.

Pilar Jordá